CLOSED
Seoul Art Salon 2026
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OPENING RECEPTION
Jun 26, 2026
GALLERY
Artcube 2r2
ORGANIZER
SAS
ORGANIZED BY
SAS
Seoul Art Salon 2026
ARTCUBE 2R2 presents a diverse spectrum of contemporary art, including painting, photography, and sculpture, at Seoul Art Salon 2026. At this year’s booth, the gallery showcases sculptures by StoneRok, whose works are held in the collections of major brands such as New Era, Nike, and BMW, alongside paintings by Lee Youngae, which capture the unstoppable flow of life. The exhibition continues with Seo Daeho, who expands the boundaries between photography and painting through staged imagery and sensory compositions, Ha Taeim, widely recognized for her abstract paintings filled with color and rhythmic movement, and Hiroyuki, who reinterprets art history masterpieces through a contemporary visual language. Furthermore, the showcase features Seong Taejin, who tells the stories of our lives by incorporating familiar hero characters, and Xavier Salmon, who offers a unique perspective through photographic works utilizing the traditional Eastern medium of Hanji. ARTCUBE 2R2는 이번 Seoul Art Salon 2026에서 회화, 사진, 조각 등 다양한 스펙트럼의 현대 미술을 선보인다. 이번 부스에서는 뉴에라, 나이키, BMW 등 다양한 기업들이 소장하고 있는 스톤락 작가의 조형과 멈추지 않는 생명의 흐름을 표현한 이영애 작가의 회화 작품을 함께 소개한다. 이어 연출된 이미지와 감각적인 화면 구성을 통해 사진과 회화의 경계를 확장하는 서대호, 색채와 리듬감 있는 추상 회화로 잘 알려진 하태임, 미술사 속 명작을 동시대적 시각 언어로 재해석 히로유키의 작업을 선보인다. 더불어 익숙한 영웅 캐릭터를 등장시켜 우리 삶을 이야기하는 성태진 작가와 한지라는 동양적 재료를 이용해 사진 작업을 보여주는 자비에르 살몽의 시선을 보여준다.
Seong taejin 성태진
b. 1974 Born in 1974 and holding an M.F.A. in Printmaking from Hongik University, Seong taejin works in monotypes characterized by vibrant primary colors. He is widely recognized for capturing the joys and humor of individuals living in contemporary Korean society. Within his artistic universe, heroes embody ordinary people whose dreams have faded or who have retired with age. Yet, as seen in his works, they never lose hope and continually dream of a brighter world. Through these heroes, Seong delivers a relatable black comedy that resonates with everyone. The dynamic "Rocket Punch" in his artwork carries a meaning that diverges from its traditional animation counterpart. Unlike Robot Taekwon V’s weapon, which returns after being launched, this rocket flies powerfully in one direction, never to return. This serves as a metaphor for growth and independence, symbolizing the artist's ten-year-old daughter leaving the comfort of her parents to step out into society. Just as a child does not return to their parents but ventures forward into their own world, this rocket extends toward an uncharted space rather than coming back. Seong’s Universe series is not merely a sci-fi fantasy; it is deeply rooted in personal experience and parental affection. The universe represents an unknown realm that simultaneously connects with reality, and the narratives within reflect an individual's growth and life journey. Harmonizing analog sentiment with a contemporary sensibility, these works offer viewers nostalgia for childhood alongside a story about the courage to move toward the future. 성태진 작가는 1974년생으로, 홍익대학교 판화과 석사를 졸업하여 화려한 원색이 돋보이는 모노타이프(판화의 일종) 작업을 선보이고 있다. 작가는 현대 한국 사회를 살아가는 사람들의 즐거움과 해학을 포착한 작품으로 잘 알려져 있으며, 작품 세계에서 영웅들은 꿈이 사라졌거나 나이가 들어 은퇴한 평범한 이들을 대변하는 존재로 등장한다. 작가의 작품에서 이들은 희망을 잃지 않고 언제나 더 밝은 세상을 꿈꾼다. 작가는 이러한 영웅들의 모습을 통해 누구나 한 번쯤 공감할 수 있는 블랙코미디를 그려낸다. 작품 속에서 강렬한 움직임을 보이는 로켓 펀치는 기존의 애니메이션 속 이미지와는 다른 의미를 지닌다. 태권브이에서처럼 다시 돌아오는 무기가 아닌, 한 방향으로 힘차게 날아가 결코 되돌아오지 않는 모습으로 그려진다. 이는 작가의 10살 된 딸이 부모의 품을 떠나 사회로 나아가는 모습을 상징하며, 성장과 독립의 과정을 은유적으로 표현한다. 아이가 부모에게 돌아오는 것이 아니라 자신만의 세계를 향해 나아가는 것처럼, 이 로켓 역시 되돌아오는 것이 아닌 미지의 공간을 향해 뻗어나간다. 작가의 우주 시리즈는 단순한 공상과학적 상상이 아니라, 개인적인 경험과 자식에 대한 감정을 담아낸 작품이다. 우주는 미지의 세계이면서도 동시에 현실과 맞닿아 있으며, 그 속에서 펼쳐지는 이야기는 한 사람의 성장과 삶의 여정을 반영한다. 아날로그적 감성과 현대적인 감각이 조화를 이루는 이 작품들은 관객들에게 유년기의 기억과 함께, 미래로 나아가는 용기에 대한 이야기를 건넨다.
STONROK 스톤락
b. 1983 STONROK is the visual art brand and artist name of Kim Seock (b.1983), a leading contemporary artist based in South Korea. He works across painting, sculpture, design, and brand collaborations, building a unique visual language centered on emotional symbols and collectible narratives. With official collaborations including NIKE, NEW ERA, SK T1, G-DRAGON, LPGA, MOUNTAIN DEW, and ABC MART, he has produced over 300 paintings and 1,000+ branded art objects, redefining the boundaries between art and branding. STONROK's works are marked by his strategic use of blue tones, recurring emotional icons (smile, tear, stitch), and digital-inspired material textures. These elements create a format that seamlessly translates into exhibitions, NFTs, designer toys, and fashion. STONROK is not merely an artist, but a creator who deconstructs and reassembles emotion into a contemporary visual system. 스톤락은 한국을 기반으로 활동하는 대표적인 현대 미술 작가 김석(1983년생)의 비주얼 아트 브랜드이자 작가명이다. 회화, 조각, 디자인, 브랜드 협업을 넘나들며 감정적 심볼과 소장 가치가 있는 서사를 중심으로 자신만의 독창적인 시각 언어를 구축하고 있다. 나이키(NIKE), 뉴에라(NEWERA), SK T1, 지드래곤(G-DRAGON), LPGA, 마운틴듀(MOUNTAIN DEW), ABC마트(ABC MART) 등과의 공식 협업을 진행했으며, 300점 이상의 회화와 1,000점 넘는 브랜드 아트 오브제를 제작하며 예술과 브랜딩의 경계를 재정의해 왔다. STONROK의 작품은 전략적인 블루 톤의 사용, 반복적으로 등장하는 감정적 아이콘(스마일, 눈물, 스티치), 그리고 디지털에서 영감을 받은 소재의 질감이 특징이다. 이러한 요소들은 전시, NFT, 디자이너 토이, 패션으로 자연스럽게 확장되는 시각적 포맷을 형성한다. 스톤락은 단순한 예술가를 넘어, 감정을 해체하고 이를 현대적인 시각 시스템으로 재조합하는 크리에이터다.
Seo Daeho 서대호
Seo Daeho is a Korean photographer and creative director whose work combines photographic imagery with painterly composition and staged visual narratives. He first gained recognition in the fields of advertising and fashion photography, building a practice that moves fluidly between commercial and artistic photography through corporate projects and portrait commissions of notable public figures. He is also known for photographing the official presidential portrait as well as a portrait of Shin Dong-bin, Chairman of the Lotte Group. In recent years, Seo has explored the expanded possibilities of photography by incorporating elements of painting and sculptural composition. By constructing sets and arranging objects within carefully controlled lighting conditions, he produces images that function simultaneously as photographs and as painterly flat surfaces. This approach investigates both the documentary nature of photography and the formal language of painting, extending the boundaries between artistic media. 서대호(Seo Daeho)는 사진을 기반으로 회화적 조형성과 연출적 이미지를 결합한 작업을 선보이는 한국의 사진작가이자 크리에이티브 디렉터이다. 광고와 패션 사진 분야에서 두각을 나타내며 활동을 시작했으며, 국내외 기업 프로젝트와 유명 인사들의 포트레이트 작업을 통해 상업 사진과 예술 사진의 경계를 넘나드는 작업 세계를 구축해 왔다. 특히 대통령의 공식 프로필 사진과 신동빈 롯데그룹 회장의 포트레이트를 촬영한 것으로도 알려져 있다. 최근에는 사진 매체의 확장을 시도하며 회화와 조형 예술의 요소를 결합한 작업을 선보이고 있다. 작가는 직접 제작한 세트와 오브제를 배치하고 빛과 그림자의 관계를 정교하게 조율해 촬영하는 방식을 통해 사진이면서 동시에 회화적 평면성을 지닌 이미지를 만들어낸다. 이러한 방식은 사진의 기록성과 회화의 조형성을 동시에 탐구하며 매체 간 경계를 확장하는 시도로 평가된다. - His recent works revolve around the theme of “memory.” Through the use of color, geometric forms, and particularly circular structures and repetitive patterns, Seo visualizes the traces of memory and layered experiences of time while continuing to explore conceptual territory between photography and visual art. In 2024, he presented these ideas in the solo exhibitions Matrix of Memory and Approaching Memory, further developing an expanded visual language of photography. Seo Daeho reinterprets ordinary subjects and everyday objects from new perspectives, constructing a distinctive body of work that dissolves the boundaries between photography and fine art. 그의 최근 작업은 ‘기억’이라는 주제를 중심으로 전개된다. 색채와 기하학적 형태, 특히 원형 구조와 반복되는 형태를 활용해 기억의 잔상과 시간의 층위를 시각적으로 드러내며 사진과 미술의 경계를 넘나드는 개념적 작업을 이어가고 있다. 2024년에는 개인전〈기억의 행렬〉과〈기억에 다가서서〉를 통해 이러한 작업을 발표하며 사진 매체의 확장된 조형 언어를 탐구했다. 서대호 작가는 평범한 피사체와 일상적 사물을 새로운 시각으로 재해석하여 사진과 미술의 경계를 허무는 독특한 작품 세계를 구축하고 있다.
Xavier Salmon 자비에르 살몽
b. 1966, France A specialist in European art from the 17th and 18th centuries, Xavier Salmon is Director of the Department of Graphic Arts at the Louvre Museum. He was previously curator of 18th century paintings and graphic arts at the Palace of Versailles, head of the general inspection of museums at the Ministry of Culture and director of the heritage and collections of the Château de Fontainebleau. He curated numerous exhibitions including the retrospectives «Jean-Marc Nattier», «Maurice Quentin de La Tour. The Thief of Souls» and «Alexander Roslin. A portraitist for Europe» at Versailles, «Madame de Pompadour et les arts» also at Versailles, «Marie-Antoinette» and «Elisabeth Louise Vigée Le Brun» at the Grand Palais in Paris. In 2014, he received the Grand Prix of the French Academy for his book: Fontainebleau. The time of the Italians. He dedicated part of his work to French pastels of the 18th century. He is also credited with several books dedicated to Moroccan heritage. A selection of his photographs of Saadian architecture in Morocco were exhibited at the Mouassine museum and the Badi Palace in Marrackech in 2016. He is a Knight of the Order of Arts and Letters and First Class Officer of the Royal Swedish Order of the Polar Star. 17-18세기 유럽 미술 전문가인 자비에 살몽(Xavier Salmon)은 현재 루브르 박물관 그래픽 아트 부서의 디렉터이다. 이전에는 베르사유 궁전에서 18세기 회화 및 그래픽 아트 큐레이터를 역임했으며, 문화부 박물관 총괄 감사관, 퐁텐블로 성의 유산 및 컬렉션 디렉터를 지냈다. 그는 베르사유 궁전에서 열린 회고전 《장 마르크 나티에》, 《모리스 캉탱 드 라 투르: 영혼을 훔치는 자》, 《알렉산더 로슬린: 유럽을 위한 초상화가》와 《마담 드 퐁파두르와 예술(Madame de Pompadour et les arts)》을 비롯해, 파리 그랑 팔레에서 열린 《마리 앙투아네트》, 《엘리자베스 루이즈 비제 르 브룅》 등 수많은 전시를 기획했다. 2014년에는 저서 《퐁텐블로: 이탈리아인들의 시간》으로 프랑스 아카데미가 수여하는 그랑프리(Grand Prix)를 수상했다. 그는 연구의 상당 부분을 18세기 프랑스 파스텔화에 헌정했으며, 모로코 문화유산에 관한 여러 권의 책을 집필하기도 했다. 2016년에는 그가 촬영한 모로코 사디안 건축 사진들이 마라케시의 무아신 박물관과 바디 궁전에 전시된 바 있다. 그는 프랑스 문화예술공로훈장 슈발리에(Knight of the Order of Arts and Letters)를 받았으며, 스웨덴 국왕으로부터 북극성 훈장 1등급 관리자(First Class Officer of the Royal Swedish Order of the Polar Star) 작위를 수여받았다.
Lee Youngae 이영애
b. 1947 Born in 1947, Lee Young-ae graduated from the Department of Industrial Fine Arts at Seoul Women's University. She has participated in numerous curated exhibitions, including the 2018 Asia Contemporary Art Show at the Conrad Hong Kong. Deeply committed to "empathy through painting," she brings a rich sensibility to her work by harmonizing diverse Eastern and Western formative techniques, utilizing canvas, Hanji (traditional Korean paper), ink, acrylic paint, and Ottchil (traditional lacquer). Her compositions frequently feature circles, straight lines, and diagonal lines, presenting a "journey toward the most fundamental origin that can convey human emotion" through a clean and simple visual language. 이영애 작가는 1947년 생으로 서울여자대학교 산업미술학과를 졸업하였다. 홍콩 콘래드 호텔의 ‘2018 Asia Contemporary Art Show’를 비롯해 여러 기획전에 참여했다. 평소 캔버스와 한지, 먹과 아크릴 물감 그리고 옻칠 등 동서양의 다양한 조형 어법이 한데 어우러진 풍부한 감성으로 ‘그림을 통한 공감’에 깊은 관심을 갖고있다. 작품에선 원형, 직선이나 사선 등을 자주 등장시키고 있으며, ‘인간 감성을 전달할 수 있는 가장 근본적인 기원을 찾아가는 여정’을 담백하고 간편한 시각언어로 보여준다.
HA TAEIM 하태임
b. 1973 Ha Taeim is an artist who has gained recognition for her distinctive approach to contemporary abstraction. Born in Seoul in 1973, she graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris and later received her Ph.D. in Fine Arts from Hongik University after returning to Korea. She has held 37 solo exhibitions and participated in over 300 group exhibitions at institutions and galleries both in Korea and internationally, including POSCO Art Museum, Helen J Gallery (LA), Gallery AP Space (New York), Artside Gallery (Beijing), Cité Internationale des Arts (Paris), Youngeun Museum of Contemporary Art, Schema Art Museum, and Seoul Auction. She served as a full-time professor in the Department of Art Contents at Sahmyook University until 2018, when she stepped down to focus entirely on her artistic practice. A defining characteristic of Ha Tae-im’s paintings is the repeated layering of colorful bands known as “Color Bands.” To complete a single band of color, the artist applies numerous brushstrokes, carefully adjusting the density and rhythm of the pigment. Through this accumulated flow of color, the surface of the canvas generates a musical sense of rhythm and spatial depth. Within seemingly simple forms, subtle variations and layered hues create a refined visual resonance, offering a painterly experience in which color itself conveys emotion and energy. Her representative series, Un Passage, is regarded as a body of work that visualizes the flow of time and inner emotional states through the movement and relationships of color. In 1999, she received the Principality of Monaco Award at the Monaco International Contemporary Painting Exhibition. Her works are included in the collections of major institutions and organizations such as the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, the Seoul Museum of Art, Samsung Electronics, and the Seoul Family and Administrative Court, as well as the lobby of the Capella Hotel in Singapore, where the 2018 summit between former U.S. President Donald Trump and North Korean leader Kim Jong-un was held. 하태임(Ha Taeim)은 새로운 감각의 추상화로 주목받아 온 작가이다. 1973년 서울에서 태어나 프랑스 파리 국립미술학교를 졸업하였으며, 귀국 후 홍익대학교에서 미술학 박사학위를 받았다. 포스코미술관, Helen J Gallery(LA), Gallery AP Space(New York), Artside Gallery(Beijing), Cité Internationale des Arts(Paris), 영은미술관, 쉐마미술관, 서울옥션 등 국내외에서 총 37회의 개인전을 개최하고 300여 회의 단체전에 참여하며 활발한 활동을 이어왔다. 또한 2018년까지 삼육대학교 미술컨텐츠학과 전임교수를 지내다 작업에 전념하기 위해 교수직을 내려놓았다. 하태임의 회화는 ‘컬러 밴드(Color Band)’라 불리는 색채의 띠가 반복적으로 중첩되며 화면을 구성하는 것이 특징이다. 작가는 하나의 색띠를 완성하기 위해 수차례 붓질을 반복하며 색의 농도와 리듬을 조율하고, 이러한 축적된 색채의 흐름은 화면 전체에 음악적 리듬과 공간감을 만들어낸다. 단순한 형태 속에서도 색의 층위와 미묘한 변화가 감각적인 울림을 형성하며, 색을 통해 감정과 에너지가 전달되는 회화적 경험을 제안한다. 대표 연작인 Un Passage는 색채가 만들어내는 흐름과 관계 속에서 내면의 감정과 시간의 흐름을 시각적으로 드러내는 작업으로 평가된다. 1999년 모나코 국제 현대 회화전에서 모나코 왕국상을 수상한 바 있으며, 국립현대미술관, 서울시립미술관, 삼성전자, 서울가정행정법원과 2018년 트럼프 대통령과 김정은 국무위원장의 북미회담이 열렸던 싱가폴 카펠라호텔 로비 등 주요한 장소에 작품이 소장되어 있다.
HIROYUKI 히로유키
b. 1978 HiroYuki is an artist who graduated from the Oil Painting Department of Tama Art University. His practice focuses on reinterpreting iconic masterpieces from art history through a distinctive visual language that blends Japanese portrait aesthetics with cartoon-like characters. At the core of his work lies an inquiry into perception formed through personal experience, collective intelligence, and the mechanisms through which certain images and figures become widely remembered and culturally iconic. By reconstructing historical masterpieces through the perspective of his original characters, HiroYuki expands canonical works of the past into contemporary narratives that resonate with present-day visual culture. Rather than directly depicting external reality, his works draw upon the Japanese artistic tradition of symbolically expressing inner thoughts and conceptual ideas. Through this approach, complex themes are translated into intuitive and approachable imagery. HiroYuki continues to broaden his practice across diverse media, from painting to AI-based works, and has actively participated in international art fairs and exhibitions in countries including Korea and the United Arab Emirates. 히로유키(HiroYuki)는 다마미술대학 회화과(유화 전공)를 졸업한 작가로, 미술사의 대표적인 명작을 일본적 초상 미학과 만화적 캐릭터로 재해석하는 작업을 이어오고 있다. 작가는 개인의 경험을 통해 형성되는 ‘인식’과 집단지성, 그리고 왜 특정 이미지와 인물이 대중적으로 기억되고 유명해지는가에 대한 질문을 작업의 핵심 주제로 삼는다. 역사적 명화를 자신의 오리지널 캐릭터의 시선으로 재구성함으로써, 과거의 명작을 오늘의 감각과 연결된 동시대적 서사로 확장한다. 특히 외부 현실을 직접 재현하기보다, 인간의 내면적 사고와 개념을 상징적으로 표현해온 일본 예술 전통을 바탕으로 복합적인 주제를 직관적이고 친숙한 이미지로 풀어낸다. 히로유키는 회화부터 AI를 활용한 작업까지 폭넓은 매체를 넘나들며 작업 영역을 확장해왔다. 한국과 두바이 등 국제 아트페어와 전시에 참여하며 활발히 활동을 넓히고 있다. - I'm Having Some Trouble is HiroYuki’s reinterpretation of a self-portrait painted in 1889 by Vincent van Gogh. While retaining the intensity of the original brushwork and the concentrated gaze of the portrait, HiroYuki transforms the figure’s form and facial expression into his own signature character. The contrast between background and figure, as well as the repetitive brushstrokes, references the painterly qualities of the original while translating them into a contemporary visual language. Through this work, the artist invites viewers to reconsider a nineteenth-century painter’s self-portrait from a present-day perspective, demonstrating how canonical masterpieces continue to be reinterpreted and circulated within contemporary culture. I'm having some trouble는 반 고흐가 1889년에 제작한 자화상을 바탕으로 한 히로유키의 재해석 작품이다. 원작의 강렬한 붓질과 응축된 시선은 유지하되, 인물의 형태와 표정은 히로유키의 캐릭터로 새롭게 변환되었다. 배경과 인물의 색 대비, 반복적인 붓 터치는 원작의 회화적 특성을 참조하면서도 동시대적 이미지 언어로 치환된다. 이 작품은 19세기 화가의 자화상을 오늘의 시선으로 다시 바라보게 하며, 명작이 현재에도 지속적으로 재해석되고 소비되는 방식을 보여준다.
Qwon Sunwang 권순왕
b. 1968 Qwon Sunwang (b. 1968) explores life, love, and the traces of existence through richly layered painterly surfaces. This exhibition presents works that investigate the movements of relationships and emotions through scenes of light and flow found within natural landscapes. The organic lines traversing the canvas and the overlapping strata of color do not seek to represent a specific landscape; rather, they reveal the passage of time infused with sensation and memory. For the artist, nature is not merely a subject to be depicted but a structure in which emotions reside. Immaterial elements such as rainbows, wind, and the flow of light emerge through repetitive rhythms and organic compositions, suggesting emotional traces that are created and dissolved within human relationships. Borrowing the forms of landscape, the paintings construct a visual language that expresses the distance, density, and temporal flow inherent in love. Qwon Sunwang has held numerous exhibitions in Seoul, Paris, and other cities both in Korea and abroad. His works are included in the collections of institutions such as the Art Bank of the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea. 권순왕(b.1968)은 권순왕은 삶과 사랑, 존재의 흔적을 깊이 있는 화면으로 풀어낸다. 이번 전시에서는 자연의 풍경 속 빛과 흐름의 장면들을 기반으로 관계와 감정의 움직임을 탐구한 작품들을 선보인다. 화면 위를 가로지르는 유기적인 선과 중첩된 색의 층위는 특정 풍경의 재현 이라기보다 감각과 기억이 스며든 시간을 드러낸다. 작가는 자연을 단순한 대상이 아닌 감정이 머무는 구조로 다룬다. 무지개와 바람, 빛의 흐름 같은 비물질적 요소들은 반복적인 리듬과 유기적인 화면 구성 안에서 나타나며, 관계 안에서 생성되고 사라지는 감정의 흔적을 암시한다. 풍경의 형상을 빌린 화면은 사랑이라는 감정이 지닌 거리와 밀도, 시간의 흐름을 회화적으로 구축해 나간다. 권순왕은 서울·파리 등 국내외에서 다수의 전시를 개최했으며, 작품은 국립현대미술관 미술은행 등에 소장되어 있다.
